À FLOR DA PELE

“Você percebe as coisas se você presta atenção.”

Su Li-zhen (Maggie Cheung) e Chow Mowan (Tony Leung) interpretam um par casado com outras pessoas, que vivem de aluguel em quartos alugados de um mesmo prédio e descobrem que seus parceiros são amantes. O jornalista Chow e a secretária executiva Li-zhen criam um vínculo de confiança e isso se transforma em um desejo mútuo, com o qual não sabem lidar. “À Flor da Pele” trata sobre a dúvida da lealdade; é um filme muito bonito, com um espírito estonteante, que há muito tempo anda em falta no cinema. As canções de Nat King Cole tocam repetidamente ao longo do filme (isso fortalece o refinamento dos atores). O diretor utiliza o classicismo do cantor alheio à vontade do casal, que constantemente trocam olhares e intenções. Os atores parecem ser observados, à medida que a câmera os acompanha pelas esquinas, corredores e portas. Wong-Kar-Wai “pensa” através das lentes e usa sua habilidade para dar ao filme um tom quente e qualidade extasiante; não simplifica, erotizando cada movimento de sua câmera – algo que talvez muitos poucos sabem fazer hoje em dia. Tudo muito contido, até com certo grau de fetichismo – o estilo e aspecto das vestimentas de Cheung impregnam a tela com grande carga sexual.

O diretor até chegou a filmar uma cena de sexo, mas decidiu não usá-la na versão final. Talvez para não enfraquecê-lo. Se esse foi o motivo, tomou uma decisão acertada, de grande sensibilidade. Essa é uma love story, cuja intensidade deriva exatamente do fato de que nada é explicito e os corpos estão vestidos na maior parte do tempo. Li-zhen veste-se de modo a favorecer seu belo corpo longilíneo e Chow varia suas gravatas para parecer diferente a todo tempo.

A câmera atua como voyeurismo, como de relance, fitando o casal que tem seus relacionamentos em fase de dificuldade. A edição pode às vezes cansar e dar um ritmo muito lento ao filme. Porém, isso é proposital, por conta da melancolia enfrentada pelo casal. Alusivo e amargo, o filme é produto de um diretor que parece trabalhar sobretudo de forma instintiva.

Isso fica evidente na cena em que o filme parece estar chegando à hora da verdade. Li-zhen conta a Chow que sabe que ele tem uma amante e bate em sua cara. Ele a repreende, dizendo que esta não é a forma de agir. A gente se dá conta de que algo inteiramente diferente está acontecendo, e a dor fica ainda mais forte porque esta cena é também sobre uma eventual separação.

Wong Kar-Wai utiliza a música tema para dar o seu tom – não é ouvida no filme – e ele vê esses personagens através de uma miscelânia de "músicas de fossa"”. "O tempo passou. Nada que pertence a ele existe mais" é o que aparece no final. Este filme é um beijo perdido ao longo do tempo; um tempo que somente existe nos filmes, com canções gravadas em mono, com roupas feitas perfeitamente sob medida, etc. O filme é basicamente sobre isso.

"À Flor da Pele" (Fa Yeung Nin Wa)
2000 – HONG KONG - 97 min. – Colorido – DRAMA
Direção: WONG KAR WAI. Roteiro: WONG KAR WAI. Fotografia: CHRISTOPHER DOYLE E MARK LI PING-BIN. Montagem: WILLIAM CHANG SUK-PING. Música: MIKE GALASSO E UMEBAYASHI SHIGERU. Produção: WONG KAR WAI, distribuído pela USA Films.

Elenco: MAGGIE CHEUNG (Su Li-Zehn) TONY LEUNG CHIU (Wai Chow), PING LAM SIU (Ah Ping), REBECCA PAN (Sra. Suen), KELLY LAI CHEN (Sr. Ho), MAN-LEI CHAN (Sr. Koo), TSI-ANG CHIN (Amah), ROY CHEUNG (voz do Sr. Chan) e PAULYN SUN (voz da Sra. Chow).

Prêmios:
Melhor Ator (Tony Leung Chiu)/Festival de Cannes 2000; Melhor Filme de Lingua Estrangeira/British Independent Film Awards 2001.

Trailer Original:


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My Blueberry Nights

WALL-E

“Eu não quero sobreviver. Quero viver.”

Wall-E é uma pequena máquina que, tendo superado sua programada obsolescência, passa seus dias com o trabalho rotineiro de juntar e compactar lixo, em uma Terra devastada por nossos semelhantes sem nenhuma percepção ambiental – a cultura do consumismo deixou marcas aparentemente irreversíveis em nosso planeta. Os humanos são, então, enviados temporariamente para viverem em uma nave distante, à espera de que a situação seja modificada e o planeta reconstitua sua vitalidade. O nome de nosso “herói” (?) significa Waste Allocation Load Lifter – Earth, uma tradução literal para Carregador de Cargas para Alocação de Lixo. Mas, para ele, nem tudo que encontra pelo caminho é descartável. Na pequena fortaleza metálica em que ele e sua amiga barata se protegem de tempestades de areia, Wall-E mantém uma coleção de tesouros dos mais variados, desde isqueiros Zippo até uma série de outras quinquilharias, incluindo, acreditem, um cubo mágico (quem não teve um?). O porquê de Wall-E manter esses artefatos de uma era perdida é perfeitamente compreensível. Afinal, também ele é um produto da ingenuidade humana, da tradição e da recuperação de valores – sua relíquia mais preciosa é uma fita VHS do musical “Hello Dolly!” (1969),que nunca se cansa de reproduzir.

Observando o que cerca Wall-E, o espectador percebe que, em algum tempo, um conglomerado chamado BnL (de Buy and Large) encheu a Terra com megastores e toneladas de lixo. Eventualmente, a corporação levou seus valiosos consumidores para uma estação espacial, onde a população é envolvida pela cultura da gordura – os rechonchudos sobreviventes, na verdade, estão à mercê de uma força maior – o consumismo desmedido -, já incorporada às máquinas que controlam os humanos.

Embora as referências sejam mais diretas a "2001- Uma Odisséia no Espaço", isso é chover no molhado, uma obviedade. Talvez o mais justo fosse associá-lo à obra de A. Huxley, "Admirável Mundo Novo". Nessa obra, “ter a consciência das coisas” era um perigo constante a ser evitado em prol de se manter o status quo – ali, as emoções e a identidade genética eram tabus - aqui, em Wall-E, ocorre o mesmo. Devolver à Terra sua natividade não interessa à nova ordem e, quem questiona esse estado de coisas, deve ser parado. Wall-E equivale ao personagem Selvagem de Huxley.

Ele tem a companhia de uma Eve, uma máquina moderna, que chega à Terra em busca de sinais vitais. O relacionamento amoroso entre eles é bastante tradicional. Se “Wall-E” fosse uma comédia romântica, seria sobre um humilde lixeiro que se apaixona por uma modelo famosa – que é uma cientista com habilidade em artilharia.

Wall-E é uma caixa de lata à moda antiga, barulhento, movido à energia solar e por meio de correias, cheio de rebites, com a superfície de engrenagens e sinais de ferrugem. Ele é imperturbável, sem deixar de ser inteligente, e sempre chamando atenção. Eve, que tem o formato de um ovo, é tão cool como um modelo de iPhone de última geração e sussurra, a não ser quando está atiçada – situação em que ela tende a explodir as coisas ao seu redor. Ela e Wall-E comunicam-se através de ruídos que, ocasionalmente, formam palavras. De algum modo, suas expressões – de desejo, irritabilidade, indiferença, devoção e ansiedade, todas harmônicas em sutis contrapontos – alcançam eloqüência sideral.

Ao evitar tornar um conto sobre o cataclisma ambiental numa aula difícil, o diretor mostra sua consciência sobre as contradições inerentes ao cinema popular para avançar numa crítica sobre a cultura do consumo. Os moradores da estação espacial, acostumados a ser atendidos por robôs industriais, cresceram, assemelhando-se a bebês gigantes, com rostos redondos, torsos vermelhos e membros frágeis, além de curtos e grossos.

O capitalismo consumista, antecipando cada necessidade possível e envolvendo indivíduos de acordo com sua conveniência, tem uma força poderosa. Mas, ao moverem-se em poltronas reclináveis, os olhos fixos em monitores de vídeo, entupindo-se de calorias através de canudos enfiados em copos enormes, esses superbebês espaciais também se parecem com freqüentadores de cinema num Multiplex.

Em outras palavras, eles representam nós mesmos. E, assim como a gente, eles não são de todo maus. O paradoxo no coração de Wall-E é que o elemento que motiva inventar coisas novas e melhorar as velhas – comprar, vender, produzir, colecionar – cria o potencial para o caos, mas também o possível caminho para evitá-lo. Ou, de outro modo, alguns dos mesmos impulsos que preenchem o mundo de “Wall-E” – nosso mundo – com “sucatas”, podem também preenchê-lo com arte. Não perca.

"Wall-E" (Wall-E)
2008 – EUA - 103 min. – Colorido – DESENHO ANIMADO
Direção: ANDREW STANTON. Roteiro: ANDREW STANTON E JIM CAPOBIANCO. Efeitos Especiais: CHRIS CHAPMAN. Produção (Design): RALPH EGGLESTON. Montagem: STEPHEN SCHEFFER. Música: THOMAS NEWMAN. Produção: JIM MORRIS; distribuído pela WALT DISNEY PICTURES e PIXAR ANIMATION STUDIOS.

Elenco: BEN BURTT (Wall-E) ELISSA KNIGHT (Eve), JEFF GARLIN(Capitão), FRED WILLARD (Shelby Forthright), JOHN RATZENBERGER(John), KATHY NAJIMY(Mary) e SIGOURNEY WEAVER (Computador da Nave).

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Procurando Nemo

CEGA OBSESSÃO

“Seu idiota. Não vê que ela está te enganando?.”

Em Tóquio, um escultor cego e sua mãe seqüestram uma modelo. Eles a mantém prisioneira numa espécie de atelier decorado com esculturas gigantes nas formas de olhos, bocas, narizes, seios, braços, pernas e outras partes do corpo de um ser humano – todas as peças recriadas por Michio (Eiji Funakoshi), a partir das sensações tácteis obtidas como massagista profissional.O filme remonta “O Colecionador” (1965), de William Wyler, particularmente quando o seqüestrador Freddie (Terence Stamp) fica enfurecido pelas tentativas de fuga de sua vítima Miranda (Samantha Eggar). Em “Cega Obsessão”, Michio pretende esculpir o corpo de sua prisioneira, através do tato; após diversas tentativas e lutas corporais, ela, Aki Shima (Mako Midori), cede, enquanto tenta seduzi-lo a ponto de tirar sua virgindade e livrá-lo da influência da mãe dominadora. A assustadora sensibilidade do escultor é bem conduzida pelo diretor, que agrega uma clima claustrofóbico, induzido pelo ambiente escuro e fúnebre do atelier. O comportamento aparentemente normal da mãe de Michio – que sustenta cada ação paranóica do filho – dá um tom de normalidade que reforça a esquisitice do filme.

Entretanto, o filme fica um pouco ridículo ao final, quando o casal, agora apaixonado, inicia um processo de mútua flagelação física – tudo isso ocorre sobre as esculturas e modelos esculpidos pelo “artista”. A modelo torna-se a própria dor ambulante e o filme acaba sugerindo uma versão oriental do "O Porteiro da Noite" (1974), de Liliana Cavani. As legendas mostram isso: “Veja, tenho uma idéia”, ela diz – então seu admirador decepa seus braços e pernas. Ele, de forma racional responde: “Porque”?

“Cega Obsessão” faz parte de uma resposta dos grandes estúdios japoneses aos “filmes rosa”, de baixo orçamento, de forte conteúdo sexual e realizados por produtores independentes. Para isso, contaram com as decadentes obras de Rampo Edogawa (1894-1965) ou Edogawa Rampo (para preservar a fonética de Edgar Allan Poe), apresentando temas de sexo desconcertante e violência.

Enquanto a história original de Rampo previa vária vitimas, essa adaptação é centralizada em somente uma vitima, de forma a potencialziar o efeito da “apreciação visual para uma insensata busca”, contida no filme. Os aspectos edipianos e pigmaleônicos estão todos ali e completam o banquete. Embora não seja um filme que surpreenda, certamente chama a atenção.

"Cega Obsessão" (Môjû)
1969 – JAPÃO - 105 min. – Colorido – SUSPENSE
Direção: YASUZO MASUMURA. Roteiro: YOSHIO SHIRASAKA, baseado em obra de RAMPO EDOGAWA. Fotografia: SETSUO KOBAYASHI. Montagem: TATSUJI NAKASHIZU. Música: HIKARU HAYASHI. Produção: KAZUMASA NAKANO.

Elenco: EIJI FUNAKOSHI (Michio) MAKO MIDORI (Aki) e NORIKO SENGOKU (Mãe).

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Red Angel

ABRIL DESPEDAÇADO

“A tua vida agora tá dividida em dois.”

Situado no sertão nordestino, em 1910 (baseado no livro de Ismail Kadaré), o filme relata a cruel roleta russa que consome duas famílias rivais de plantadores e cana de açúcar. A morte de cada membro de uma família é vingada pela outra rival e assim sucessivamente até que haja a dizimação de uma delas. Em cada parede das casas há retratos das pessoas marcadas para morrer – que, na verdade, já foram mortas. Velas são colocadas sobre as fotos e suas camisas manchadas de sangue são penduradas ao relento, conforme a regra estabelecida no lugar. Até que a camisa de sangue esteja seca e sua coloração fique amarela, o ciclo fica interrompido (ninguém pode ser morto), dando, assim, uma trégua à próxima vitima e a seu assassino.

Os dois clãs, os Ferreiras e os Breves, são marcados por um código de honra quase feudal. A família Breves parece ter sido a mais desafortunada. Seus inimigos são mais prósperos e mais numerosos – o patriarca cego mora num casebre junto com os netos e respectivas esposas, enquanto os Breves estão reduzidos a um núcleo familiar de três pessoas, um moinho de cana e um par de bois envelhecidos e exaustos.

O filho mais velho da família Breves, Inácio, é morto e, segundo a tradição, o pai furioso (José Dumont) manda Tonho (Rodrigo Santoro), seu filho do meio, defender a honra da família. Walter Sales filma essa perseguição nas plantações de cana, de forma marcante, com edição nervosa e bem feita. Embora viva num mundo em que os mortos comandam os vivos, como diz a mãe de Tonho (Rita Asseamany), ele repudia essa lei do olho por olho, dente por dente. "Abril Despedaçado" é filmado sob a ótica do caçula da família Breves, cujos pais não lhe deram nome. O garoto (Ravi Ramos Lacerda) adora Tonho e é o único membro da família que expressa o desejo de cessar essa insensata tragédia familiar.

Walter Salles já havia mostrado anteriormente em "Central do Brasil" (1998) o ambiente violento e pobre dos centros urbanos e mostra aqui sua habilidade em lidar de forma honesta, sem restrições e, até com certa dose de romantismo, com historias duras e cruéis. A fotografia de Walter Carvalho dá um clima austero e belo à paisagem vazia e monocromática do sertão e aos personagens.

Esse cenário duro é aliviado pela chegada de uma dupla de saltimbancos – fazendo-nos lembrar de "A Estrada da Vida", de Fellini e "Bye Bye Brasil", de Cacá Diegues – que chegam com seu circo mambembe. Clara (Flavia Marco Antonio), uma engolidora de fogo, dá ao irmão de Tonho um livro e, seu companheiro, Salustiano (Luís Carlos Vasconcelos), dá-lhe um nome - Pacú. Clara torna-se uma fantasia na vida de Pacú – ele a identifica como a sereia do livro, o qual ele não consegue ler -, bem como objeto de desejo de Tonho.

Todo o elenco está irrepreensível. Walter Salles mostra que depois de Hector Babenco (embora esse seja de origem argentina) é o melhor diretor de atores do cinema brasileiro na atualidade. Rodrigo Santoro, sob sua batuta, nos dá uma interpretação segura e honesta.

"Abril Despedaçado" mostra a tentativa de Pacú livrar-se junto com seu irmão do fatalismo implacável que rege suas vidas. O custo dessa luta é devastador, mas permeada de otimismo. O filme espelha a expectativa difícil de viver num mundo moderno, quando tudo que gira ao seu redor não aponta para uma saída fácil.

"Abril Despedaçado" (Abril Despedaçado)
2001 – BRASIL - 105 min. – Colorido – DRAMA
Direção: WALTER SALLES. Roteiro: WALTER SALLES, SÉRGIO MACHADO e KARIM AINOUZ, baseado na obra “Abril Despedaçado”, de Ismail Kadaré. Fotografia: WALTER CARVALHO. Montagem: ISABELLE RATHERY. Música: ANTONIO PINTO. Produção: ARTHUR COHN.

Elenco: JOSÉ DUMONT (Pai) RODRIGO SANTORO (Tonho), RITA ASSEMANY (Mãe), LUIS CARLOS VASCONCELOS (Salustiano), RAVI RAMOS LACERDA (Pacú), FLÁVIA MARCO ANTONIO (Clara), EVERALDO PONTES (Velho cego), CAIO JUNQUEIRA (Inácio), MARIANA LOUREIRO (Viúva), SERVÍLIO DE HOLANDA (Isaías), WAGNER MOURA (Matheus) e GERO CAMILO (Reginaldo).

Trailer Original:


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Central do Brasil

UM CORPO QUE CAI

“Eu te amo, Madeleine.”

John Feguson, Scottie (James Stewart), é um antigo detetive de polícia que se demite após um companheiro ter morrido em uma perseguição conjunta pelos telhados de São Francisco. Ele sente-se culpado por não ter ajudado seu colega, em função de seu medo de altura. Por causa disso, Scottie busca uma nova ocupação e, justamente quando está pensando no que fazer com seu tempo livre, recebe uma chamada de um antigo companheiro de estudo (Tom Helmore), do qual não se recorda. Este pede a ele que siga sua esposa, contando-lhe uma engenhosa história sobre transtornos mentais e espíritos do passado. A principio, Scottie não aceita. Porém, quando a vê pela primeira vez, não resiste: Madeleine (Kim Novak), loira e misteriosa, é tão inacessível e linda, e esta envolta numa aura tão fascinante, que faz Scottie sentir-se fortemente atraído por ela.

Desta forma, segue, então, Madeleine por todos os lugares possíveis de São Francisco – salva sua vida, quando ela, querendo suicidar-se, joga-se na baía de São Francisco; entretanto, em outra ocasião, quando ela sobe na torre de uma igreja, Scottie não consegue ajudá-la, por culpa de seu medo de altura. Ele não se dá conta que caiu numa armadilha. Scottie sofre de vertigem. É um solitário, um sonhador, o que fica evidente em contraste com Midge (Barbara Bel Geddes) – uma amizade platônica. Tudo isso o transforma numa vítima perfeita.

Ao estrear, “Um Corpo que Cai” chocou o publico, tendo sido incompreendido inclusive pela critica da época. As imagens dos créditos e uma seqüência de sonhos (ambas criadas pelo desenhista Saul Bass), com cores irreais e elementos gráficos, constituem-se em pequenos experimentos cinematográficos e possivelmente produziram um efeito inquietante na década de 50.

Finalmente, nos anos 70, analisou-se até que ponto a estrutura da historia e a composição das imagens eram tão refinadas. A conclusão foi que “Um Corpo que Cai” ficou incluído no Olimpo das grandes obras da historia do cinema. Alfred Hitchcock criou outros grandes filmes, é verdade, mas esta é uma obra mestra, que ainda incomoda e transtorna. Estão ali todos os ingredientes das fórmulas do cineasta: o suspense – sua forma típica de criar tensão -, o tema do dublê, os sentimentos de culpa do personagem principal, o humor sarcástico e o amor obsessivo de um homem por uma mulher. Além disso, a trilha sonora, composta por Bernard Herrmann, é um dos melhores exemplos de como a inserção musical em um filme ocorre de forma tão precisa e perfeita.

Também, neste sentido, “Um Corpo que Cai” é uma obra prima de Hitchcock. Em todos os seus filmes, as mulheres loiras têm um papel importante (de Ingrid Bergman a Grace Kelly); em todos seus longas-metragens, ele trata o ícone da loira misteriosa, inacessível e frígida. Em “Um Corpo que Cai”, o diretor converte a criação da loira misteriosa no tema real, através de dublê: Madeleine – a loira sedutora que serve de isca e, na segunda metade, surge a ruiva Judy, uma mulher que, excetuando o cabelo, é idêntica à primeira, a qual Scottie quer transformar em Madeleine. Inquietante e magistral.

"Um Corpo Que Cai" (Vertigo)
1958 – EUA - 128 min. – Colorido – SUSPENSE
Direção: ALFRED HITCHCOCK. Roteiro: ALEC COPPEL e SAMUEL A. TAYLOR, baseado na obra “D´entre les morts”, de PIERRE BOILEAU e THOMAS NARCEJAC. Fotografia: ROBERT BURKS. Montagem: GEORGE TOMASINI. Música: BERNARD HERRMANN. Produção: ALFRED HITCHCOCK, para ALFRED J. HITCHCOCK PRODUCTIONS, INC. e PARAMOUNT PICTURES.

Elenco: JAMES STEWART (John Ferguson Scottie) KIM NOVAK (Madeleine Elster/Judy Barton), TOM HELMORE (Gavin Elster), BARBARA BEL GEDDES (Midge Wood), KONSTANTIN SHAYNE (Pop Liebl), HENRY JONES (Membro do Tribunal), RAYMOND BAILEY (Médico) e ELLEN CORBY (encarregada do hotel).

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Do mesmo diretor:



Interlúdio

E.T. - O Extraterrestre

“Como você explica o que é escola para uma inteligência superior?.”

A trama pode ser resumida em poucas palavras: um O.V.N.I. e sua tripulação aterrisam por engano na Terra. Quando os alienígenas são descobertos por uma patrulha de reconhecimento de cientistas, colocam-se em marcha para ficarem a salvo. Um dos passageiros não chega a tempo à nave e permanece no planeta azul. O extraterrestre esconde-se no jardim de uma casa, até que, numa noite, o pequeno Elliot (Henry Thomas) o descobre. Uma vez que Elliott supera o medo inicial diante da estranha forma de vida, consegue que o E.T. o siga para dentro da casa, com a ajuda de um punhado de guloseimas. Assim, pouco a pouco, desenvolve-se entre os dois uma bela amizade que, com o passar do tempo, estende-se aos irmãos de Elliott – Michael (Robert MacNaughton) e Gertie (Drew Barrymore). O recém-chegado torna-se um companheiro da garotada que o esconde dos adultos. Dentro de um armário, o E.T. passa desapercebido aos olhos da mãe de Elliott (Dee Wallace).

A mensagem central do filme é o eterno conflito entre a razão e o coração. Sob a ótica de Spielberg, sempre quando os adultos têm que escolher entre esses dois conceitos diametralmente opostos, a decisão recai sobre o intelecto. É exatamente assim como Spielberg enxerga o inicio da destruição do poder da imaginação que existe na infância. Portanto, com esse filme, ele tenta um ato de expiação.

Desde o inicio do filme, os adultos são retratados como uma séria ameaça ao mundo infantil - com vozes estridentes, assustam os extraterrestres que vieram à Terra com a pacifica missão de colher flores. Além disso, Spielberg faz as tomadas dos adultos sempre sob a ótica das crianças – nunca de corpo inteiro. Até o final do filme, não são mostrados seus rostos. A câmera trabalha sempre à altura dos olhos das crianças, mostrando os acontecimentos sob suas perspectivas.

Spielberg sempre foi muito criticado por seu estilo cinematográfico. Alguns o acusam de ter uma forma regressiva de fazer cinema e de exagerar nas incursões ao mundo infantil. Mesmo assim, tem sido rotulado como um artesão espiritual, por sua grande capacidade em tocar as teclas dos sentimentos e saber exatamente como agir em cada momento para atingir emocionalmente o público.

Neste filme, Spielberg mostra seu inegável talento, seu divertido senso de comédia, seu lírico estilo narrativo, os elementos de suspense e de melodrama e sua apaixonada defesa da infância. Isso explica o êxito deste filme até hoje.

Para o diretor, esse filme significou um velho sonho. Nele, Spielberg pode refletir sobre sua própria infância e suas origens. Assim, a relação com seus pais (sua mãe foi pianista e, ao que parece, muito sofrida; seu pai, um engenheiro ausente na maior parte do tempo) está retratata em "E.T.", da mesma forma que os medos e esperanças de um menino de dez anos que sonha com a harmonia universal e que, em vista da impossibilidade de consegui-la na vida real, deve esperar criá-la nos seus filmes.

Fica sempre a pergunta: "E.T." é um filme infantil ou um conto de fadas para adultos? Acho que pode ser tanto uma coisa como outra. O alienígena simpático que estende o dedo indicador e cuja expressão “Phone... home...” popularizou-se no mundo todo, tornou esse filme inesquecível. Ingênuo, porém, belo e único.

"E.T. - O Extraterrestre" (E.T. – The Extra-Terrestrial)
1982 – EUA - 114 min. – Colorido – FICÇÃO CIENTÍFICA
Direção: STEVEN SPIELBERG. Roteiro: MELISSA MATHISON. Fotografia: ALLEN DAVIAU. Montagem: CAROL LITTLETON. Música: JOHN WILLIAMS. Produção: KATHLEEN KENNEDY e STEVEN SPIELBERG, para UNIVERSAL PICTURES.

Elenco: DEE WALLACE (Mary) HENRY THOMAS (Elliott), PETER COYOTE (Keys), ROBET MACNAUGHTON (Michael), DREW BARRYMORE (Gertie), K.C. MARTEL (Greg), SEAN FRYE (Steve), TOM HOWELL (Tyler), ERIKA ELENIAK (criança) e DAVID O´DELL (estudante).

Prêmios:
Oscar de Melhor Trilha Sonora (John Williams), Melhores Efeitos Visuais (Carlo Rambaldi, Dennis Muren e Kenneth F. Smith), Melhor Som (Robert Knudson, Robert J. Glass, Don Digirolamo e Gene S. Cantamessa) e Melhores Efeitos Sonoros (Charles L. Campbell e Ben Burtt)/1982.

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Contatos Imediatos do Terceiro Grau

QUERELLE

“Todo homem mata a quem ama...”

Envolvido no contrabando de ópio, Querelle (Brad Davis) mata um de seus cúmplices, o marinheiro Vic (Dieter Schidor), cuja culpa recai sobre Gil (Hanno Pöschl). Na realidade, Gil havia matado outro sujeito e busca refúgio no bairro marginal de Bagno. Sua aparência física com o irmão de Querelle, Robert (Pöschl, em papel duplo), faz com que este o considere também como a um irmão e se sinta profundamente atraído por ele. Porém há algo que os diferencia. Enquanto Gil causou uma morte involuntária, Querelle cometeu um assassinato a sangue frio. Ao final, Querelle acabará por denunciar Gil à polícia. Uma segunda da trama paralela desenvolve-se no bordel Féria. Lá, ouvimos a exagerada dissertação do tenente Selon (Franco Nero) que, fascinado por Querelle, grava suas impressões sobre ele em um equipamento. Querelle joga dados com Nono (Günther Kaufmann) e exige como prêmio a sua bela mulher Lysiane (Jeanne Moreau), dona do prostíbulo. Porém, Querelle perde a disputa e vê-se obrigado a ceder às pretensões sexuais de Nono.

O sexo tem um papel importante no assassinato do marinheiro. Para Querelle, o amor e o afeto somente podem ser exprimidos por meio da destruição e da violenta subordinação. Todos que chegam a conhecer o marinheiro Querelle rendem-se ao seu encanto, mas sua reação sempre é mortal e traiçoeira. E, quando a trama alcança o ponto trágico mais alto, Lysiane canta uma canção de cabaré inspirada nas palavras de Oscar Wilde: Todo homem mata a quem ama...

Fassbinder aborda a questão do poder dentro de um mundo essencialmente masculino como um labirinto formal de reflexos e disfarces, criando, assim, um mundo de enganos e calúnias com uma grande carga lírica.

Toda a historia se passa em um cenário surrealista, criado pelo cenógrafo Rolg Zehetbauer nos estúdios CCC de Berlim Oriental, sendo toda narrada em off. A ação desenvolve-se em diversos lugares: um barco ancorado próximo a Brest, o bordel de Féria, uma taverna, algumas ruas da zona portuária e um jardim árabe.

Os cenários apresentam uma iluminação de tonalidade vermelha e amarela. Não há uma clara linha de separação entre um lugar e outro. A aparente intimidade existente nos encontros privativos é sufocada por um cenário interno e externo, por superfícies planas e profundas, por ações objetivas e sentimentos subjetivos, por percepções próprias e alheias. A ligação de todos esses elementos determina a trama de “Querelle” e a sua cenografia especifica constitui um recurso estilístico fundamental.

O produtor, Dieter Schidor, havia oferecido anteriormente o roteiro a outros diretores, tais como Sam Peckinpah e Roman Polanski. O certo é que a novela de Jean Genet, na qual se baseia a história, parece feita sob medida para Fassbinder, cujo tratamento apaixonado que dá ao material adere perfeitamente à sua obra anterior.

Naquele que parece ser seu filme mais pessoal, Fassbinder examina os mecanismos psicológicos das relações amorosas. A diferença de seus outros filmes, é que em “Querelle” não há referências temporais, de forma que ele adquire uma dimensão universal.

O tom da obra é cheio de lirismo, com movimentos de câmera lentos, e o aspecto teatral da história intensifica-se graças aos cenários que mais parecem um palco do que um estúdio cinematográfico. Aliado a isso, justifica-se a interpretação dos atores que, em alguns momentos, é exagerada. O filme perde um pouco de ritmo por conta dessa ditadura da forma e excesso estilístico.

Em “Querelle”, Fassbinder cria um cosmos íntimo inteiramente determinado pelo desejo masculino, e ainda que a ele renda homenagem, também demonstra seu fracasso. Filme hermético, que pode não agradar a todos, mas é forte e essencial para os que apreciam o novo cinema alemão.

"Querelle" (Querelle)
1982 – ALEMANHA/FRANÇA - 107 min. – Colorido – DRAMA
Direção: R.W. FASSBINDER. Roteiro: R.W. FASSBINDER e BURKHARD DRIEST, baseado no livro QUERELLE DE BREST, de JEAN GENET. Fotografia: XAVER SCHWARZENBERGER. Montagem: R.W. FASSBINDER (como Franz Walsch) e JULIANE LORENZ. Música: PEER HABEN. Produção: DIETER SCHIDOR, para PLANET FILM PRODUCTIONS, ALBATROS.

Elenco: BRAD DAVIS (Querelle), FRANCO NERO (tenente Seblon), JEANNE MOREAU (Lysiane), LAURENT MALET (Roger Bataille), HANNO PÖSCHL (Robert/Gil), GÜNTHER KAUFMANN (Nono), BURKHARD DRIEST (Mario), DIETER SCHIDOR (Vic), KARL SCHEYDT (Marinheiro) e ROGER FRITZ (Inspetor Marcellin).

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Do mesmo diretor:



O Desespero de Veronika Voss